Ambasciata di Marte

SENZA NESSUNA PRETESA DI CONCRETEZZA

2008-04-24T10:12:00.005Z

COMUNICATO STAMPA

Inaugurazione Venerdì 25 aprile alle ore 19 presso il Circolo Ambasciata di Marte

Al via la mostra schizzo fotografica“SENZA NESSUNA PRETESA DI CONCRETEZZA” di Sara Lusini e Michele Tonon. Ovvero: come sopravvivere con ironia al TEMPUS FUGIT

La mostra sarà visitabile sino all’8 maggio dal giovedì alla domenica, dalle ore 19 alle ore 24

Venerdì 25 aprile alle ore 19 si inaugura presso il circolo creativo Ambasciata di Marte (Via Mannelli, 2) “Senza nessuna pretesa di concretezza”, mostra schizzo fotografica di Sara Lusini e Michele Tonon, inserita nella proposta didattica curata da Andrea Nardi “Sviluppa il tuo progetto d’arte”, fortemente puntata sulla scena artistica contemporanea fiorentina e non. La mostra sarà visitabile fino all’ 8 maggio 2008, dal giovedì alla domenica, dalle ore 19 alle ore 24.

“Senza nessuna pretesa di concretezza”, ovvero: come sopravvivere con ironia al TEMPUS FUGIT. I due artisti infatti, muniti di biro e blasonata macchina fotografica, lanciano una sfida divertita e partecipe a Crono, signore di un Tempo insensibile e implacabile verso noi umani. “Nietzche diceva: le menti labirintiche non cercano la verità ma la loro Arianna, allo stesso modo, sconfitti, delusi e annoiati, rinunciamo a illusorie certezze per scoprire filigrane ricciolute. Gli uomini seguono un sentiero, quali asini che battano la rotta verso lo Zenit del frivolo. Io (Michele Tonon n.d.r.) e Sara (Lusini) cerchiamo di comunicare un solo singolo concetto, che va al di là di politica, del disagio sociale o della lotta di classe: bisogna tenere i piedi quanto più possibile scostati da terra, cercando magari di sopravvivere alla consapevolezza di esistere in maniera insignificante per le logiche temporali”. Nasce così questa mostra, un’ altalena di immagini spiazzanti e coinvolgenti che ritraggono quell’istante che è fra addormentato e sonnolente, fra sognato e sentito dire, fuori dai canoni della vita sociale e reale, che è di Crono.

È la stessa volontà del curatore, Andrea Nardi, evitare di formulare sul concetto di Tempo un giudizio viziato da particolarità percettive e storiche. “Il rifugio in quest’arte divertita e canzonatoria non nasce per disinteresse, distacco assoluto o autismo della conoscenza riguardo alla problematica del Tempo. Al contrario: si cerca di sfruttare al meglio la vita, prendendosi tutto nell’arco della propria esperienza possibile. Credo che a volte evitare il giudizio sia necessario e vitale per la conoscenza quanto l’esercizio del dubbio e della critica della ragione, o l’apertura alle insondabili profondità del cuore, delle emozioni e della memoria”.
http://www.ambasciatadimarte.blogspot.com/

Press: sarachiarello@libero.it; 329- 9864843

Compiere un epochè per la fenomenologia Husserliana è sospendere il
Giudizio, evitare la formulazione di una verità storica viziata dalla sua particolarità temporale e percettiva, ma non per questo disinteresse, distacco assoluto o autismo della conoscenza, questo certamente no.

Su questo mi piace riflettere aiutato dalla parole e dalle opere di Michele e Sara, sul fatto che magari prendersi del tempo in più, o meglio prenderselo tutto il tempo, quello dell’arco della propria esperienza possibile, è necessario e anche vitale per la conoscenza altrettanto quanto l’esercizio del dubbio e della critica della ragione o l’apertura alle insondabili profondità del cuore, delle emozioni e della memoria.

Andrea Nardi

2008-03-28T16:00:00.001Z

Di nuovo siamo condotti in quel luogo dove vivono, in buona e numerosa compagnia, anche i personaggi di Nicola, in quel momento del vissuto in cui entrano in crisi anche lo spazio ed il tempo nel loro potere di individuazione e si aprono le porte per il l’indistinto, il metamorfico, il continuo divenire del sé nell’altro e viceversa.
La razionalità e la coscienza non assolute lasciano spazio all’urgenza del suggerito, dell’abbozzato, espressi attraverso la semplicità essenziale del mezzo usato, grafite o pennarello, che è essa stessa un fine in sé legante di tutto il lavoro, come anche l’operazione di ingrandimento del minuscolo che diventa un diario personale ma anche archetipico, quindi collettivo e inconscio per definizione.
Andrea Nardi

Morte all'architettura

2008-02-25T17:15:00.003Z

“MORTE ALL’ARCHITETTURA” !!!

Questa volta l’occasione di riflessione proposta ci porta in qualche modo tangente dentro la reazione molto attuale di questa città al corso delle sue proprio esigenze di Habitus Architettonico, in maniera estremamente drammatica si rendono comprensibilmente evidenti le coesistenze di opposte necessità e le frizioni del continuum passato presente futuro. Seguendo le parole di Fabbio, il cui scopo e quello di questa mostra è quello di tentare di “Resuscitare queste architetture” , o in altro modo i rari tentativi di rivincita del presente e del futuro sul passato, esplicitando che la necessità di curare una città storica per renderla appetibile ad orde incontrollabili ed usuranti di “consumatori fugaci di bellezze ormai passate condanna a morte ciò che di relativamente nuovo è stato fatto e si può per questa città”.

Deaphoto

2008-01-31T10:56:00.000Z

Nightlife in Florence 2

99 Nightshots, Paolo Contaldo

expò toys

2008-01-31T10:33:00.000Z

BRAINCHILD

2007-11-27T12:20:00.000Z

Nel nuovo episodio della saga di “ Sviluppa il tuo progetto d’arte” incontreremo la profondità di una giovane studentessa veramente creativa.
Non usa dipingere su tela, si serve di materiali di scarto, come lenzuoli vecchi, porte, scatole di cartone, legni ecc. Sono lavori a tecnica mista: pennarelli, pastelli, acrilici, tempere, olio, foglie oro, matite, alcuni lavori più recenti hanno applicazioni di stoffa cucite a mano....non casualmente ma rispondendo in modo linguistico e significante alle stratitificazioni emotive, ai livelli sempre più vaghi di coscienza che lei ci porta ad esplorare. Il suo inconscio diventa in maniera automatica anche il nostro, collegandoci da spettatori, riferendomi a Jung, a quegli archetipi dell’inconscio collettivo quali la madre, l’essere figli e distaccarsi, che rendono significativa la vita di ognuno.

Andrea Nardi

piangere il mare

ultracorpi

" BRAIN CHILD" nasce ed è donna
LA MADRE

La Madre diviene feto e si
allontana. Improvvisa mancanza,
per lo più totale e permanente, di una
determinata disponibilità,
associata al danno, alla rovina.
La
privazione si identifica con la
"morte". La perdita, in riferimento ad
un' entità, sembra
assumere un
significato che va da quello di
"evanescenza" a quello limite
di
"catastrofe".
La Madre concepisce sè
stessa, il suo bisogno non è di
nascere ma di una permanente vita
intrauterina. I caratteri della
Signora si fondono in uno stato nativo
di splendore, puro ed
inattaccabile. Nel figlio l' intenzionalità si
oppone al caso o
alla
distrazione, la sostituzione ad avere appare
definitiva.
Vive in una
condizione di prolungamento verso la sua
nutrice che, lunare, ormai è
altro: ora porge l' emisfero di
estraneità, irraggiungibilità, di
astrazione dalla realtà, di
volubilità, di capriccio e anche di
irritabilità.
Lui ha paura. Vive
in uno stato emotivo di repulsione e
apprensione, in prossimità di un
vero o presunto pericolo di mancanza.
Così emerge nel figlio, per
istinto di conservazione, una sorta di
arditezza temeraria e quasi
disperata, che allontana da sè il pericolo.
Forse l' erede è pronto a
cessare l' abitudine, il vizio
materno, ed urla il suo giudizio e la sua comprensione.

LA MADRE

Origine materiale di un figlio, ideale
di un fatto. Madre come donna e simbolo di dedizione. Madre, nella sua
natura di femmina, di divinità, necessario punto di partenza della
catena causale in cui consiste il divenire. Corpo come fondamento dell'
esistenza e principio operante. Le sue gambe sono i suoi figli e il
grembo diviene regione affettiva, intimità, anche rivelazione di
dipendenza. Donna che avanza e non nega paura, le grandi mani e i suoi
occhi... L'affetto della Madre è condizionato da una maschera, che ci
priva della possibilità di determinare un atteggiamento espressivo
caratteristico e questo la allontana dalla suscettibilità. Intorno, sta
della materia in movimento e così la Madre appare impenetrabile, se ne
coglie l' individualità ed energia, turbamento delle parti.

CAMBIO PELLE

La figura è inquadrata, anche se pare sospesa fra spazio e
tempo: soltanto l'operazione di cambio, che trasferisce in un altro
luogo la pelle, simbolo della vita fisica, dà agli elementi un forte
peso emozionale. Pelle, espressione di una certa rudezza, in questa
collocazione artistica diviene campo emotivo, corteccia che ha raccolto
e accumulato le percezioni e le rappresentazioni della vita e pesa. E
affinchè il corpo si mantenga in quiete, il peso deve essere
equilibrato e non importa se è necessario che muoia, anche solo per un
attimo. Così, dopo una sottrazione si ha l' assunzione di un
significato diverso, un movimento, in virtù del quale il corpo
reintegra la propria forma e guarda avanti.

A/A ATTESA ASSENZA

Luogo di privazione, abitato dall' animo di chi attende il realizzarsi
di qualcosa conforme alle proprie speranze. Una persiana travestita da
costruzione, attrezzata in modo da escludere qualsiasi possibilità di
evasione o di comunicazione con l' esterno, una prigionia. E tutto
induce un senso di desolante abbandono e tristezza. Come in un'
improvvisa e fugace sospensione della coscienza, il tempo trascorso
nell' aspettare, trafigge sul "muro" con durezza ogni intervallo di
inattività. Assenza di misura, difetto di personalità.

Antonia Gilda Santoro

L'ambasciata al Festival della Creatività 2007

2007-10-19T15:42:00.000Z

Quest'anno l'Ambasciata di Marte era presente al festival della creatività proponendo le opere di:

Justin Thompson

Sonja de Graaf

Andrea Nardi

Sensazioni

2007-10-18T08:05:00.000Z

La sperimentazione materica e il decorativismo sono gli elementi caratterizzanti che accomunano questi lavori di K. Casares . Tempera, sabbia, foglia d’oro, perline, acquarello e glitter si combinano tra loro in un pout pourry di colori e fosforescenze. Filo conduttore di questa ricerca è un decorativismo suggestivo che oscilla tra sensazioni tattili e visive. Il risultato è la fusione di superfici, spessori, trasparenze ed effetti di luce. La delicata consistenza del colore e della materia trovano giusto rilievo e adeguata collocazione all’interno di spazi minimalisti e aperti alla luce.

Valeria Lecca

Targets

2007-10-18T08:02:00.000Z

DONNINO:INTIME RICOMPOSIZIONI

2007-10-06T10:10:00.000Z

DONNINO:INTIME RICOMPOSIZIONI
OPERE DI VANIA COCCHI

INAUGURAZIONE VENERDI’ 8 GIUGNO 2007
AMBASCIATA DI MARTE
VIAMANNELLI,2 FIRENZE

Vania Cocchi utilizzando la tecnica del collage nasconde, dietro un lavoro dai tratti apparentemente bambineschi, la commistione di un’arte -e di una intimità- che lentamente si scopre e di una emergenza cromatica tipica di chi in realtà ha nel gesto dell’arte la propria identità. E questa consapevolezza alle volte emerge come in un sogno, altrimenti scompare come sott’acqua in una artista che parallelamente fa affiorare e poi scomparire il compiacimento e il godimento per il proprio lavoro. Abituata negli anni a non pensare a sé sotto il profilo artistico ma sotto quello pratico ed efficiente del lavoro utile socialmente e produttivo, sotto quello dell’essere figlia e compagna, Vania trova nella metodica e istintiva tecnica del collage l’occasione per dar sfogo a ciò che in lei giace, l’occasione per costruire una nuova identità. La prassi del ricercare immagini, del ritagliarle doviziosamente, dello scegliere cartoncini dai toni pastello è un trampolino dal quale gettarsi per assemblare e inventare figure che diventano una critica pungente, ironica, partecipata e affettuosa dell’esser donna e degli stereotipi a questo legati.
La freschezza infantile della tecnica scelta istintivamente da una donna che all’arte si è avvicinata per conoscere se stessa, protegge Vania dal rischio di appartenere alla schiera di chi “è venuto dopo qualcun altro”, al rischio di soccombere a quella povertà di linguaggio e paura di scoprire le proprie peculiarità che spesso imprigionano molti giovani artisti nell’ombra di qualche altro grande. A questo sfugge perché in lei vi è la bambinesca verginità di chi all’arte si avvicina senza nessun pregiudizio, senza nessun programma ma con l’emergenza interiore di dare forma a ciò che negli anni si è addormentato. Ed è così che Sogno ed Inconscio candidamente prendono spunto da una personale esperienza onirica, e con la sicurezza del tratto e del gesto puro nello spazio pittorico si uniscono forme e colori per reificare esperienze che altrimenti cadrebbero perdute.
Il gioco delle opere è nello scoprire, noi spettatori, quanto le immagini che lei seleziona appartengano o meno al nostro bagaglio visivo, quanto queste abbiano in noi una memoria consapevole e quante invece siano di diritto Immagini della Memoria senza che noi si possa per esse creare una storia. E questo perché, come già i maestri della scuola di piazza del Popolo a Roma ci hanno insegnato, la nostra terra e la nostra storia sono imbibite di memoria e l’impregnazione è tale che anche adoperando immagini apparentemente nuove o pubblicitarie non possiamo fare a meno di confrontarci con la nostra cultura nella quale ormai nuove icone effimere e patinate si confondono a immagini decontestualizzate e trasformate, ma che nella loro forma primigenia erano quadri, paesaggi, forme dell’arte.
Vania scopre, e fa a noi scoprire, quanto la scelta di talune immagini non sia affatto casuale, ma frutto di quella formazione visiva che con un sistematico bombardamento retinico dalla prima infanzia forma il nostro senso del bello, del buono, del ritagliabile, dell’incollabile.. E allora il suo pennarello aggiunge e modifica ciò che già il libero arbitrio e l’assemblare hanno riformato: da ciò che apparentemente è confezionato, da ciò che è pensato come arido bene di consumo, da una rivista, lei trae i suoi colori, le sue forme e la sua libertà d’espressione. È la condizione femminile che la ispira maggiormente, anche se dire condizione femminile già nasconde un triste senso di luogo comune e di faccende ormai note. Ecco, è la femminilità che la ispira. Ed è a questa che vuole rendere omaggio, con il meraviglioso dono dell’autoironia che le donne hanno, con il saper coniugare la propria parte bambina e quella ferina per demolire l’immagine che un mondo complice e maschile offre di noi, per poter dire: guardate, sto giocando, avete afferrato di me così poco che le vostre immagini io le smonto , do loro nuova vita attraverso le mani vere di una donna. Tutto questo lo sono gli otto deliziosi e voluttuosi collages carichi di capriccio e critica, che Vania con questa sua prima mostra personale ci regala.

Martina Stoppioni

Ho cominciato a fare collage circa due anni fa, quando nel silenzio della mia cucina, sulla tavola ormai sparecchiata del dopo cena, ho iniziato a ritagliare immagini da giornali, incollare e dipingere, trasferendo sul cartoncino tutte le mie sensazioni, le mie emozioni ed il mio inconscio.
Di inconscio parlo in quanto quasi sempre tali rappresentazioni non sono state pensate ed elaborate preliminarmente, prima cioè della loro realizzazione, ma sono nate in maniera del tutto spontanea, senza razionalizzare una situazione, un paesaggio, un soggetto. Normalmente infatti è solo dopo aver finito il lavoro che vi trovo il significato; è un po’ come se interpretassi gli angoli più nascosti di me, dandogli poi una spiegazione.
Da tempo avvertivo il bisogno di creare qualcosa, di indirizzare la mia creatività latente; avevo bisogno di elaborare qualcosa con le mie mani. Per moltissimo tempo non ho saputo come, poi piano piano, nella fase di relax della sera, ho iniziato prendendo un pezzo di cartone avanzato a fare dei disegni e ad appiccicare soggetti presi da una rivista.
In questi momenti tutti miei, completamente liberi da pensieri, da obblighi e dal razionale andamento del quotidiano, libero la mente e “sfogo” tutta la mia passione, libertà, creatività in questi collages. Sono una persona che è sempre stata abituata negli anni a non pensare a se sotto il profilo artistico ma solo sotto quello pratico ed efficiente del lavoro utile socialmente e produttivo.
Il nome di “collage” l’ho dato con l’andare del tempo in quanto non avendo mai pensato ad una tecnica specifica e non avendo neppure mai fatto studi inerenti l’arte e la pittura, mi sembrava il più appropriato. In occasione di questa mostra i lavori che espongo sono: Sogno, che prende spunto da una personale esperienza onirica, La Donna, espressione di femminilità; Matrimonio, rappresentazione del nascere e morire di una coppia; Vanità, mio primo collage, insieme inquietante ed ironico; Im-mobili e Lo sguardo, ovvero i primi passi che ho mosso nell’esplorazione della mia creatività: Eternità ed Inconscio, ultimi lavori realizzati cronologicamente e frutto di una sempre più piena consapevolezza della gioia e della libertà d’espressione che regala la coerenza nel seguire la propria indole.
Grazie,

Vania Cocchi

,l'eventuale fioritura di certi valori morali,

2007-10-06T10:07:00.000Z

“E Adesso? Mi Diressi verso la zona commerciale di Parkington e dedicai l’intero pomeriggio ( il tempo si era schiarito , la città bagnata era come argento-e-cristallo) a comprare cose belle per Lo. Dio mio, che acquisti dissennati scaturiscono dall’acuta predilezione che Humbert aveva a quei tempi per le stoffe a quadretti, il cotone colorato, le gale, le maniche corti a palloncino, le morbide pieghettature, i corpetti aderenti e le gonne generosamente ampie! Oh Lolita , tu sei la mia ragazza, come Vee era quella di Poe e Bea quella di dante-e quale ragazzina non vorrebbe fare la giravolta con una gonna piroettante e un paio di mutandine succinte?

Un’altra donna molto più vecchia con un vestito bianco e il fondotinta, parve singolarmente impressionata dalle mie conoscenze in fatto di moda infantile; magari avevo per amante una nana;così quando mi mostrò una gonna con due tenere tasche sul davanti, le feci con intenzione un’ingenua domanda maschile e fui premiato con una sorridente dimostrazione sul funzionamento della cerniera posteriore. Poi me la spassai con ogni genere di braghette e mutandine- fantasmi di Lolita in miniatura che danzavano, cadevano, volteggiavano sul bancone.Concludendo l’affare con un casto pigiama di cotone nel popolare stile garzone di macellaio. Humbert, il popolare macellaio.”

Vladikmir Nabakov, Lolita, 1955

Longing & Belonging

2007-10-06T10:04:00.000Z

Un altro passo nell’esplorazione dell’identità negoziata e messa in crisi nelle sue coordinate abituali. La distanza da casa, dal proprio contesto abituale, dai gesti e dalle relazioni significative che ci danno senso. L’esperienza della distanza spaziale per approfondire il rapporto con il proprio sé indossolubilmente legato agli altri e al luogo d’origine, d’appartenenza.
Tre differenti versioni al femmile di questa esperienza, tre giovanissime studentesse che attraverso le loro opere problematizzano l’argomento attraverso il filo rosso delle loro esperienze e relazioni.
Particolare attenzione per le tecniche “vintage” proposte da chi ti aspetteresti una abitudine generazionale al multimedia e all’utilizzo della tecnologia più all’avanguardia. Invece vengono presentate raffinatezze d’altri tempi quali il libro d’artista, presentato sia da Kristen Jasionowsky ed Emily Frost, oppure eccellenti ritratti “kitch” realizzati con pastelli ad olio da Carol Alexander.

XYX connection

2007-10-06T09:57:00.000Z

Divenire Collettivo

All’interno del percorso “Sviluppa Il tuo progetto d’arte” questa volta viene presentata un vera esperienza collettiva. Con il collettivo XYX , che nasce nel maggio 2006, in occasione dell’esibizione artistica WomenArt a Lerici in Liguria. Attraverso pittura, foto, videoarte, performances esprime un’idea di collaborazione tutta al femminile, volendo parlare di un concetto di “donna” e non necessariamente in senso femminista.
Nella mostra Connection il gruppo tenta una apertura accogliendo temi di integrazione della differenza con l’inserimento del genere maschile nelle analisi concettuali delle loro opere coscienti di non poter esaurire tutte le possibili implicazioni e argomenti, tentano attraverso l’arte di parlare di connessioni tra i generi come metafora dell’interazione e dell’integrazione.
Il gruppo ha una natura aperta che traccia le linee guida di un percorso sempre aperto per chi voglia intraprenderlo, nella prospettiva di far cadere le barriere di genere e la “donna” si ponga come entità percettiva e sensibile ai mutamenti.
“ Crediamo che nel momento stesso in cui vengono messe in scena le nostre opere nella solita dimensione spazio temporale,il nostro divenire artiste,, si trasforma da una singolarità in una visione collettiva. Il nostro è un divenire collettivo”

panoply

2007-10-06T09:52:00.000Z

PANOPLIA

Continuando la nostra avventura negli accidenti dell’identità contemporanea ci viene offerta questa volta l’opportunità di indagare le difese, le frammentazioni, le reazioni, siano esse di natura semplicemente psicologica oppure sociale, del singolo o della collettività.

(L’esibizione)

La parola Panoplia, alla quale fanno riferimento i due artisti, deriva il proprio significato dal francese del tardo xvi secolo in cui panoplia significa “protezione spirtuale completa” e dal latino moderno dove il riferimento bellico è più esplicito “ armatura completa”.
Ma anche l’aspetto etimologico del frammento o del notevole potenziale di una collezione completa di cose viene messa in luce e sperimentata dalla ripetizione dei gesti intenzionati magicamente del cucire, del fotografare ripetutamente fino a costruire un movimento, una drammatizzazione di difesa come nel film di Amber Scoon, o un oggetto sociale come la scultura Trophy, realizzata cucendo a mano vecchi frammenti di coperte con un processo rituale evidenziato anche nelle animazioni, che si pone come un nuovo modo di vedere la storia della violenza nel contesto storico della schiavitù Afro-americana e ironicamente contemporanea nella versione della cultura dei gangsta-rap.

EXPRESSioni

2007-10-06T09:50:00.000Z

Prendere un momento effimero, una sensazione veloce, quasi impercettibile, e costringerla a rimanere nel tempo. La durata non é d’importanza; quello che conta davvero é la forza. L’emozioni hanno una vita propria, e a volte sembrano non voler sottometersi davanti a nessuno, davanti a qualsiasi situazione o tecnica. Bisogna essere coraggiosi per affrontare questa lotta.

Mónica Ogaz sa come spogliarsi di logiche e ubbidire semplicemente al suo istinto pittorico. Prende una linea e la lascia libera, la guarda sdoppiarsi, percorrere la carta finché non afferra la sensazione che poi domina. Li da la possibilitá di perdurare e ricrearsi; la uccide per lasciarla rinascere.

Gli schizzi liberi, le linee istantanee, ci portano al fulcro della natura umana, a una sensazione quasi primitiva, astratta fino al punto di diventare inchiostro e carta. Nella sua opera “Una tra le tante…sempre io” Ogaz prende se stessa come punto di partenza onde riuscire a spiegare meglio lei stessa e il mondo che governa la sua individualitá. Con ognuno dei suoi autoritratti mostra la sua preoccupazione per la propria sussistenza, la sua perenne inquietudine per il rapporto che tutti –ma sopratutto lei- abbiamo con le scadenze, con il tanathos individuale.

In “Composizione” questi suoi interrogativi vengono gestiti in maniera differente; prendendo un quadro che non lascia trasparire emozioni, e donandoli vita nuova. Il movimento dei suoi elementi e l’infinitá di combinazioni concedono ad esso l’immortalitá.

La velocitá di esecuzione é un elemento fondamentale per catturare tutti i concetti che Ogaz vuole giustificare. Solamente lasciando da parte il tempo si é abbastanza agili per acchiappare la preda. Con questo rituale personale percepisce il proprio tempo, scopre i suoi limiti e riafferma la sua autoritá emotiva, offrendoci, como se fosse un dono, i frutti della propria ricerca.

Valeria Farill

Sulle strade del Quartiere

2007-10-06T09:49:00.000Z

1+1

2007-10-06T09:47:00.000Z

1+1

La prima installazione fatta l’anno scorso con Marco Biagini è nata per caso, nelle nostre rispettive individualità solo parallele, fino a quel preciso momento. Una testa a sé stante che si sospende nello spazio contestuale con fili trasparenti. Ho sentito subito l’immediatezza e la forza di questa metafora tridimensionale, ecco di fronte a me il primo passo per una analisi artisticamente contemporanea delle umane relazioni.Fare un ponte fra nature aliene è possibile nella comprensione della differenza, nel farla letteralmente propria, o per essere più precisi nell’accettare che la differenza tipica del mondo sociale intersoggettivo è il lato esterno di una differenza intrasoggettiva.
L’idea di presentare questa volta una esperienza di dialogo così esplicito sulla relazione è una opportunità tipica, è uno di quegli esempi da manuale che sono contento di poter ospitare all’interno del nostro progetto, ancora di più per Manuela Paparo che nella sua freschezza e spontaneità è oltremodo perfetta in questo ruolo.
Queste le basi delle scelte fatte fino adesso, questo il colore del filo che lega tutte le esperienze di questo progetto, dalla mostra “Le Onde” di Tohko Senda dove l’esperienza delle umane onde percettive ed emotive erano messe in scena e rese esplicite da una pittura, libera, potente, vitale fatta di segni vibranti e ambivalenti. I progetti nascono dal tentativo di estetizzare per immagini l’esperienza urbana, con ogni media, come ad esempio i progetti di “streetphotography” dell’associazione Desphoto, nella consapevolezza del suo significato personale e collettivo.
Collettive o personali sono esse stesse l’epilogo di un percorso, didattico o professionale, mosso dal desiderio di riappropriazione degli spazi della nostra esistenza, credendo nella necessità di fare posto per una visone critica, più attenta concentrata e vissuta.
Oltre lo stereotipo, al di là di percorsi battuti e ormai aridi una flessibile libertà cooperativa, invisibilmente coordinata.
Andrea Nardi

Quanto Spazio Hai?

2007-10-06T09:42:00.000Z

All’inizio della scorsa stagione pensando alla installazione che avrei voluto fare sono stato folgorato
nel riflettere sull’idea dei “Bisogni Primari” , la mia fantasia si era figurata di riempire lo spazio visivo con necessità primarie evocate con il colore e con oggetti d’uso. In quel determinato momento vedevo necessità nella cura, nel lavoro, nella pulizia ma mesi dopo, incontrata Germana, ho avuto l’opportunità, all’interno del nostro percorso extraterritoriale denominato”Sviluppa il tuo progetto d’arte”, di indagare, con il lavoro che si andava materializzando durante il nostro primo incontro, l’idea, che è precondizione, che è principio di individuazione della nostra esperienza, lo Spazio.
Lo spazio fisico sì, una scatola di cartone a dimensioni ambientali (2,50x2,50x2,50 circa) nella sua qualità però strettamente umana e relazionale, l’io e gli altri, il contesto, l’isolamento e la relazione nel ritmo di un evento effimero e fugace come una performance, uno scatto a sviluppo istantaneo di una polaroid, fatta di conflitto, improvvisazione e insoddisfazione, ma liberatoria.
Non un dente di latte da togliersi con il filo legato ad una porta ma una esperienza numero uno, un’esperienza in prima persona.

….

“ Pensavo che sarebbe rimasto una appunto in un quaderno “ è stato un pensiero frequente nelle ultime settimane..sono sfociate ieri in quella confessione da ubriacone: molesta ..euforica…rabbiosa!
Magari è stato solo un mio sfogo ..ma comunque è stato un buon input. Tu hai saputo cogliere un momento di confusione e trasformarlo in un pensiero LUCIDO e ORDINATO. Tu hai le parole,tu dici quello che io fotografo. Non so parlarne, non so nemmeno scrivere e in relatà non so nemmeno fotografare.. però in qualche mi dovrò pure presentare.. io parlo di me..scrivo di me e fotografo di me..io un’esistenza tra mille altre.. io in rapporto..in conflitto..in in intima complicità con gli altri..come tutti DIFFERENTE INCOMPRESA UGUALE..come chiunque altro!
Tutto è ..come sempre una contraddizione..come farò io così inadatta a sottopormi al giudiziodegli altri??!!Vorrei solo saper se qualcun altro ha l’impressione di sentirsi bloccato …io credo di sì..comunque non vi proccupate…io stò bene..
E voi dove siete?io ci provo a mettermi in una sctola.. e provo ad osservarmi dall’esterno provo a vedere che succede, cosa vedo? Come mi vedo? Come mi vedono? Cosa esprimerò così!? Magari sarò ancora una volta incomprensibile per me e per gli altri..però boh..potrebbe essere doveroso..potresti alzare li occhi e accorgerti che anche tu..
No no..stò sbagliando..stiamo sbagliando..il concetto è molto più semplice si tratta di adattare la scatola al proprio corpo e non lascirsi chiudere dentro.. e poi personalizzarla.. e alla fine comincerà ad essere più comoda familiare e quasi la casa. Ma non confondiamo le cose per me riuscire ad adattare il contesto.. modificare il contesto per riuscire a vivere liberamente e riesci poi ad evadere… tanto meglio non tornare indietro…muoversi..il movimento è il mezzo..l’evasione dal contesto.”

Germana Fiore

LE ONDE

2007-10-06T09:41:00.000Z

ILLUMINAZIONE

2007-10-06T09:37:00.001Z

PRIMARY NEEDS

2007-10-06T09:23:00.000Z

Prima di tutto io in prima persona non credo nelle risposte, sono, certamente per natura istintiva e per crescita, portato alla curiosità e all’incessante movimento, che oscilla nello spazio e nel tempo, della conoscenza delle verità fallibili. Lo scenario che con l’aiuto dei personaggi di questa avventura voglio illustrare è quello di Natura aliena che, per creare contatti comunicativi, cercherà di capire, nella multidimensionalità possibile, l’infinita universale apertura del senso e del significato.
Il nodo crocevia di questa riflessione “necessaria” è l’identità, problematizzata, resa fluida e negoziata, nello spazio e nel tempo delle relazioni possibili.

Buonviaggio……